A Sense of Possibility

Born a. Darss:
MICHAEL MARKWICK
ROBERT MUNTEAN

20. März – 2. Mai 2021
Eröffnungstag: Samstag, 20. März, 11 – 17 Uhr

DE EN

A Sense of Possibility –Jurriaan Benschop, February 2021

“How is it still possible today to paint figuratively, or even to deal with figures at all?” Robert Muntean once asked in an interview. The figure has always been present in his work, sometimes clearly defined, sometimes covered or just in outline. But the artist has been equally interested in dissolving the figure or breaking it apart, transforming it during the process of painting. We don’t find detailed images or precise portraits; rather, we see appearances, orchestrations of color. You could say that Muntean uses the figure as a placeholder: a shape to organize the paint. He starts with a figure in order to take us somewhere else.

Michael Markwick has always taken the natural environment as a starting point for his paintings. It is his main motif, yet he has never been a traditional landscape painter in the sense of depicting a view with trees, hills, or a lake as we would see it from a window. Rather, nature is for him a driving force and a source of energy he wants to connect to. It makes him want to paint. It is the sun’s radiance or the sound of the wind sweeping through the trees that ignites a painting. For Markwick, nature is a place to find life in its fullness and diversity, ranging from coldness and cruelty to refined beauty and spirituality.

What the figure is to Muntean, the landscape is to Markwick. Both artists have their basic motif, their home base, so to speak, from which they have been developing their painting practices. Interestingly enough, this is also where their respective works meet. When Muntean paints his figures, he does so by creating a space around them, in terms of colors and depth. And when Markwick paints nature, he often suggests the presence of a figure to establish a relationship. This can be just a glimpse, or a hidden figure, or a skeleton – it is there to connect us with the natural environment. Figure and space, in the work of these two painters, cannot really be separated. While one focuses on the appearance of a figure in space, the other shows us the space that exists within a figure.

What started as an artistic friendship between neighbors, with occasional studio visits, has developed into a painterly dialogue over the years. Muntean left Vienna to come to Berlin; Markwick grew up in the US and lived in the Netherlands before settling in the German capital. The artists have previously exhibited together in group shows, and now they join forces in their first duo appearance. Looking at their work, one can feel that it is a natural match, with easy transitions and shared concerns. The artists are part of the same conversation about what it means to be a painter in the 21st century. Neither is interested in taking things too literally; a painting should not be an illustration. Rather, they take painting as a way to open up sensibilities and create layers in seeing. Things are not what they seem at first glance, their work tells us. If you look twice, or three times, you will find something else. In line with this way of thinking, the artists called the exhibition A Sense of Possibility.

If we think of the (pandemic) year in which the paintings were developed, we know that it was, for many people, troubled with limitations and concerns. Feelings of discontent or frustration had to be balanced with joyful moments, with trust or hope. Such states can flow into paintings without being spelled out, as painting can also articulate what is foggy, unspoken, or unconscious. “I like the tension between hard and fluid painting, also in how it reflects the harder edges of our experiences,” Markwick remarked. In his paintings on silk, he evokes a delicacy and a quality of light that he did not reach before, but then he mixes sand into the paint to create rougher patches, too. In Muntean’s work, color comes in chords, and together they produce “a sound,” as the artist likes to call it, parallel to the experience of music. It can be loud and dissonant, or it can be harmonious.

“Creating space” is something we say in daily life, when situations are tight and we need some fresh air. In the case of this exhibition, creating space is a complex, layered, and existential undertaking. Two artists each build a setting, a stage you could say, where a human presence acts. They push the figuration up to the point that we can recognize it, and then hold back, leaving space for the viewer, whose presence is also anticipated, to complete the scene. For both, the question of whether and when a painting is finished is important. They carefully consider what to define, and what to leave open. The striving for a sense of possibility is not a way of trying to be mysterious. It speaks about what a work of art should be: dynamic and catching life in motion, including the undercurrents, yet also open to a future not yet known.

Jurriaan Benschop, February 2021

A Sense of Possibility

Wie kann man heute noch gegenständlich malen oder sich überhaupt mit dem Figürlichen beschäftigen?“ fragte Robert Muntean in einem Interview. In seinen Werken sind Figuren stets präsent – mal deutlich erkennbar, mal verschleiert oder nur in Umrissen wahrnehmbar. Doch der Künstler lässt diese Figuren auch verschwinden oder aufbrechen, und verwandelt sie so während des Malprozesses. Was wir bei ihm sehen, sind keine ausführlichen Bilder oder akkuraten Porträts, sondern Erscheinungen und Farbinszenierungen. Man könnte sagen, dass die Figur bei Muntean als eine Art Platzhalter dient: als eine Form, die der Farbe Struktur verleiht. Bei Muntean ist die Figur der Ausgangspunkt einer Reise, die uns ins Unbekannte führt.

Es ist die natürliche Umgebung, die Michael Markwick als Ausgangspunkt seiner Malerei dient. Obwohl die Natur sein Hauptmotiv ist, war Markwick nie ein Landschaftsmaler im klassischen Sinne, der Bäume, Hügel oder Seen darstellt, wie wir sie etwa durch ein Fenster sehen könnten. Die Natur ist für Markwick vielmehr die treibende Kraft und Energiequelle seiner Malerei – die Ursache für sein Bedürfnis, überhaupt zu malen. Es ist das Strahlen der Sonne, das Geräusch des Windes in den Bäumen, das ihn inspiriert. Für Markwick ist die Natur ein Ort, an dem sich das Leben in seiner ganzen Fülle und Vielfalt zeigt, von Kälte und Grausamkeit bis zu sublimer Schönheit und Spiritualität.

Was die Figur für Muntean, ist für Markwick die Landschaft. Beide Künstler haben ein jeweiliges Grundmotiv, das ihnen als Basis ihrer Maltechniken dient. Interessanterweise ist dies auch der Punkt, an dem sich die Arbeiten der beiden überschneiden: Wenn Muntean seine Figuren malt, schafft er um die Figuren herum einen Raum aus Farbe und Tiefe. Und wenn Markwick die Natur malt, deutet er oft die Anwesenheit einer Figur an, um eine Beziehung mit dem Betrachter herzustellen. Das mag ein flüchtiger Blick sein, eine Figur im Verborgenen oder ein Skelett – bei dem Menschen, der vor dem Bild steht, wird so eine Verbindung zu dieser natürlichen Umgebung hergestellt. In den Werken der beiden Maler sind Figur und Raum kaum voneinander zu trennen. Und während der eine sich dem Auftauchen einer Figur im Raum widmet, zeigt uns der andere den Raum, den es im Inneren einer Gestalt zu entdecken gibt.
Was mit gelegentlichen gegenseitigen Atelierbesuchen, mit einer künstlerischen Freundschaft unter Nachbarn begann, hat sich im Laufe der Jahre zu einem Dialog der beiden Maler entwickelt. Muntean hatte Wien verlassen und war nach Berlin gezogen. Markwick war in den USA aufgewachsen und hatte in den Niederlanden gelebt, bevor auch er sich in Berlin niederließ. Die beiden Künstler hatten ihre Werke bereits im Rahmen verschiedener Gruppenausstellungen
gezeigt; jetzt treten sie erstmals zu zweit auf.

Wenn man sich ihre Arbeiten ansieht, spürt man, dass sich hier zwei Künstler gefunden haben. Und man bemerkt die gemeinsamen Interessen und die fließenden Übergänge beider Werke. Muntean und Markwick arbeiten sich an derselben Frage ab: Was bedeutet es, Maler im 21. Jahrhundert zu sein?
Keiner der beiden hat ein Interesse daran, die Dinge auszubuchstabieren: Ein Gemälde soll keine Illustration sein. Stattdessen verstehen sie die Malerei als eine Möglichkeit, Empfindsamkeit zu wecken und Schichten des Erkennens freizulegen. Ihre Werke geben uns zu verstehen, dass die Dinge nicht das sind, was sie auf den ersten Blick scheinen. Auf den zweiten oder dritten Blick sieht man etwas Neues. Der von den Künstlern gewählte Name der Ausstellung, A Sense of Possibility, spiegelt genau diese Wahrnehmung wider.

Wenn wir an das Jahr denken, in dem diese Bilder entstanden sind, so denken wir an eine Zeit der Pandemie, die für viele von uns von Einschränkungen und Sorgen geprägt war. Um Gefühle der Unzufriedenheit oder Frustration zu bewältigen, mussten wir ihnen freudige Momente, Vertrauen und Hoffnung entgegensetzen. Solche Gemütszustände können in Gemälde einfließen, ohne dass dies ausdrücklich geschieht, denn die Malerei vermag es, das Nebulöse, das Unausgesprochene, das Unbewusste zu zeigen.

„Mir gefällt das Spannungsverhältnis zwischen fester und flüssiger Malerei und dass die Malerei die Härten unserer Existenz abzubilden vermag“, bemerkte Markwick einmal. In seinen Gemälden auf Seide beschwört er eine zuvor unerreichte Zartheit und Qualität des Lichts – mischt dann allerdings Sand in die Farbe, um so auch grobe Flecken zu erzeugen. In Munteans Arbeiten bilden die Farben sozusagen Akkorde, die in ihrer Gesamtheit einen „Klang“ erzeugen, wie der Künstler
es selbst ausdrückt. Dieser kann laut und dissonant oder aber auch harmonisch sein.

Wenn wir uns bedrängt fühlen, sprechen wir davon, dass wir „Luft zum Atmen“ brauchen, dass wir uns „Platz verschaffen“ wollen. Bei dieser Ausstellung zeigt sich das „Platz verschaffen“ als ein komplexes, vielschichtiges und existenzielles Unterfangen. Die beiden Künstler setzen einen Rahmen, erzeugen gewissermaßen eine Bühne, auf dem ein Subjekt handelt. Sie treiben die Gestaltung bis zu dem Punkt voran, an dem eine Gestalt gerade noch erkennbar ist, und nehmen sich dann zurück, um dem Betrachter ausreichend Platz zu verschaffen, die Darstellung für sich zu vollenden. Beiden Künstlern geht es um die Frage, ob und wann ein Bild überhaupt vollendet sein kann. Dabei wägen sie sorgfältig ab, was festzulegen ist und was offen zu bleiben hat. Dieses Streben nach Kontingenz ist nicht etwa der Versuch, besonders geheimnisvoll zu erscheinen. Es geht vielmehr um das Kunstwerk selbst, das dynamisch sein sollte und das Leben in seiner ganzen Flüchtigkeit mit all seinen Unterströmungen einfangen sollte. Und das zugleich offen bleiben soll für eine noch unbekannte Zukunft.